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AUTORETRATO : NADIR
Este autorretrato parte de una necesidad: volver a mirar el origen, el vínculo, la herencia afectiva que me formó. No es una foto de mí, sino de un nosotras. Un intento de desbordar los límites de la imagen individual para revelar algo más profundo: la memoria compartida.
Trabajo a partir de dos fotografías: una mía y otra de mi hermana Nadir cuando era niña. Las uno, las mezclo, las dejo superponerse hasta que ya no sé cuál es cuál. En ese desborde se produce algo que me interesa: una pérdida de las fronteras. De la identidad, de la edad, del tiempo. Una fusión que no busca reconstruir el pasado, sino permitirle seguir latiendo dentro de mí.
Nadir me crio. Su presencia fue abrigo, refugio, mirada. Todo lo que soy se formó en relación a ella: en sus gestos, en sus palabras, en la forma en que me sostuvo cuando todavía no sabía sostenerme sola. Por eso, cuando pienso en un autorretrato, no puedo hacerlo desde la soledad del yo. Mi historia está hecha de otros cuerpos, de otras voces, de otras manos que me formaron.
El “desborde” del que hablo es, en parte, un gesto técnico —una imagen que se sale de sí misma, que se mezcla, que no encaja del todo— pero también es un gesto emocional. Desbordar es dejar que aparezca lo que normalmente se intenta contener: la nostalgia, el amor, la falta, la continuidad. Es una forma de aceptar que lo íntimo no siempre puede ordenarse, que la identidad también es un caos hermoso.
Este autorretrato no busca representar un rostro, sino un vínculo. Una línea invisible entre el pasado y el presente, entre la niña que fui y la mujer que soy gracias a ella. Nadir es mi raíz y mi reflejo, la parte de mí que sigue acompañándome incluso cuando no está en la imagen.
En la mezcla de nuestras fotos, veo algo que me conmueve: cómo dos vidas pueden entrelazarse al punto de volverse una sola textura. No se trata de perderse en el otro, sino de reconocerse en lo compartido. El retrato, entonces, se convierte en un territorio de unión, donde la memoria se expande y el yo se abre para dejar entrar a quienes lo construyeron.
Desbordar es también un acto de amor. Dejar que la imagen se llene, que rebalse, que diga más de lo que puedo decir con palabras. Es mi manera de agradecerle a Nadir por haberme criado, por haber sido mi hermana y, de algún modo, también mi madre.
VIDEO : https://youtu.be/oneDYRPtuqE

REFLEXION SOBRE LOS 2 VIDEOS : Al ver Traducción Simultánea de Sofía Medici sentí que algo en mí también intentaba traducirse. No sólo las palabras, sino las emociones, los recuerdos, los pensamientos que a veces no encuentran idioma. Me conmovió esa idea de que toda comunicación es un intento —a veces torpe, a veces hermoso— de llegar al otro, de no quedarnos solos dentro de nuestra cabeza.
En cambio, Lecture 3: Rocks de Laurie Anderson me hizo pensar en el peso del tiempo, en lo que permanece aunque todo cambie. Sus palabras suenan como ecos que vienen de un lugar más profundo, donde las cosas dejan de ser sólo ideas y se vuelven materia, piedra, memoria.
Entre ambas obras encontré un puente: la necesidad de transformar lo que siento en algo que pueda compartirse, aunque sea incompleto. Mirarlas me recordó que el arte, como la vida, es una traducción constante —una forma de seguir hablando incluso cuando el idioma se nos rompe.

MAPEANDO MI RELACION CON EL CINE :
Esta performance nace de mi historia con el cine. De las veces que lo usé para mirar hacia adentro, para entenderme, para inventarme. En ella quise contar mi relación con el cine: cómo me acompaña, me atraviesa y me transforma. Es una manera de poner en cuerpo lo que las películas despertaron en mí. Un fragmento de lo que el cine fue (y sigue siendo) para mí: un refugio, un espejo, una forma de existir.
Mi historia con el cine, contada con el cuerpo.https://youtu.be/788EbLslFFg

Recuerdo de electricidad en el cuerpo :
Estaba mirando a mi papá arreglar un enchufe y, aunque me dijo que no tocara nada, me acerqué igual. Apenas apoyé los dedos en el borde, sentí un golpe de electricidad que me subió por el brazo como un latigazo. Me quedé dura del susto. Yo temblaba. Desde ese día, cada vez que veo un enchufe abierto, me acuerdo de ese sacudón.

PROYECTO AUTORETRATO / BITACORA :Título: "Yo en tres capas".
Idea central: Explorar tres facetas personales (pública, íntima y soñada) usando autorretrato fotográfico/mixto para generar una narrativa visual coherente. Objetivos:
Conceptual: Visualizar cómo distintas máscaras/estados configuran mi identidad.
Técnico: Practicar iluminación, composición y postproducción para crear imágenes expresivas.
Entregables: Serie de 9 imágenes (3 por faceta), una imagen final compuesta, y la bitácora conceptual.
Formato y técnica:
Fotografía digital + elementos manuales (collage, pintura, texturas) en postproducción.
Cámara: DSLR o smartphone con buena resolución. Trípode y disparador remoto/temporizador.
Iluminación: combinación de luz continua y/o flash; uso de reflectores y geles.
Materiales y recursos:
Cámara/trípode, reflectores, linterna o softbox, telas, maquillaje, objetos personales, cartulinas, geles de color, ordenador con Photoshop/GIMP.
Metodología / Proceso:
Investigación visual y moodboard por cada faceta.
Bocetos de puesta en escena y listas de props/vestuario.
Sesiones de fotografía (mín. 3 por faceta).
Selección y edición, experimentando mezclas analógicas/digitales.
Montaje final y documentación en la bitácora.
Cronograma (ejemplo 4 semanas):
Semana 1: investigación, moodboards y planificación.
Semana 2: sesiones de fotografía faceta 1 y 2.
Semana 3: sesión faceta 3 y selección de imágenes.
Semana 4: edición final, montaje, redacción y entrega.

Título / Faceta: Íntima
Objetivo: Capturar vulnerabilidad y silencio con luz suave.
Referencias: fotografías de Nan Goldin, retratos íntimos en tonos cálidos.
Localización: habitación con ventana norte.
Materiales: manta beige, taza, cuaderno, maquillaje natural.
Técnica: 50mm, f/1.8, ISO 400, 1/125s; luz natural + reflector blanco.
Plan de tomas: primeros planos rostro, manos sosteniendo taza, cuerpo semisentado.
Observaciones: luz mañana ideal; probé gel ámbar en lámpara para calidez.
Resultados: 48 fotos, 8 seleccionadas.
Notas edición: aumentar textura piel, mantener tonos cálidos, aplicar viñeteo sutil.
-Tratamiento de puesta en escena (dirección práctica)
Concepto escénico: cada faceta se expresará mediante color, objetos simbólicos y postura:
Pública: colores fríos (azul/gris), postura erguida, fondo urbano/geométrico, objetos tecnológicos.
Íntima: colores cálidos (ámbar/beige), postura relajada o encogida, fondo doméstico, objetos personales (libros, tazas).
Soñada: colores saturados/pastel con geles (magenta/cian), elementos flotantes o superposiciones, maquillaje surreal.
Dirección de arte:
Paleta por faceta, textura de fondos (lienzo liso, tela arrugada, pared), props coherentes y de bajo costo.
Coordinar vestuario para que contraste o se integre con el fondo según el concepto.
Iluminación:
Pública: luz dura lateral para contraste; una fuente principal y un relleno tenue.
Íntima: luz suave y difusa desde la ventana o softbox, reflector cálido.
Soñada: luz con geles de colores, contraluz para halos, experimentos con prismas y proyecciones.
Composición y encuadres:
Mezclar primeros planos (rostro/emoción) y planos medios/enteros (contexto).
Uso de reglas: ojos en el tercio superior, líneas diagonales para dinamismo en pública, centrado y simetría en íntima para calma, composición asimétrica y capas en soñada.
Movimiento y dirección de la mirada:
Indicar exactamente dónde mirar (a cámara, fuera de cuadro, hacia un objeto).
Variar entre mirada directa (confrontación pública), mirada baja o cerrada (íntima), mirada hacia arriba o en fuga (soñada).
Props y gestualidad:
Listas cortas por faceta y acciones concretas (sostener, dejar caer, mirar, cerrar ojos).
Plan de rodaje (sesión tipo 1 día por faceta):
Preparación 30 min: montaje fondo, iluminación y vestuario.
Toma 1 hora: pruebas de luz y 30 tomas de aproximación.
Toma 1 hora: series dirigidas (poses planificadas).
30 min: revisión en cámara y ajustes.
Indicaciones de postproducción:
Ajuste básico (exposición, contraste, balance de color).
Aplicar texturas o collage en capas para la imagen compuesta final.
Mantener coherencia cromática en la serie (paleta definida).
Entrega visual y presentación:
Serie en alta resolución + PDF con la bitácora seleccionada y descripción conceptual (max 2 páginas).
Opcional: montaje digital animado o impresión sobre papel mate.

NEW BOOK- REVERSIONADo :
Quisimos mostrar una incomunicación, un desencuentro. Las pantallas partidas sugieren la posibilidad de una contingencia, un evento que podría sincronizarlas. Resulta inevitable percibir lo cómico y casi absurdo de la situación. El directo nos permite estirar la escena hasta lo irracional: un espacio que parece inmenso pero se reduce, al fin y al cabo, a unas pocas cuadras. En ocasiones imaginamos este video como un laberinto. Las múltiples pantallas y la acción crean una especie de multiplicidad espacio‑temporal que el cerebro intenta recomponer sin cesar. Buscamos identificar al personaje, seguirlo, vigilarlo, y así comprender qué ocurre. Esa multiplicidad, aunque familiar, a veces nos resulta incómoda.

REFLEXION DE FEEDBACK : Iam sitting in a room” juega con el desvanecimiento del sujeto en una especie de paradoja donde el mismo sujeto alimenta esa desaparición. Es como su exceso y repetición lo llevasen lentamente a ser carcomido por la sala. La retroalimentación es lo que permite que las frecuencias de la voz de Lucier sean tomadas poco a poco por las frecuencias de la habitación. Esta técnica nos presenta aquí un circuito que en su proceso va desvanciendose para transformarse en otra cosa. Los sonidos se espejan, rebotan y se canibalizan.

En la obra de Nam June Paik y Merce Cunningham ya no se juega el sonido con esta técnica sino la pura imagen del cuerpo del bailarín. Sus movimientos están grabados y pasan detrás de su imagen en directo con cierto delay. Se produce asi un movimiento diferido que crea un cuerpo doble, podrían hasta ser dos bailarines. Esto nos permite una visión de los movimientos desconectada de cierto sentido de seguimiento, ya que por momentos nos parece imprevisible (aunque finalmente no lo sea). Parecemos estar intenta de seguir algo imposible: la trayectoria y la anatomía de este gran artista que por momentos parece tener miles de extremidades y estar bailando en infinitos ritmos

En “All of our friends are here” la técnica de la retroalimentación a travel de la grabación de la pantallazos de la computadora genera un encuentro de múltiples tiempos. Se coordina una sincronización de sonido que permite la union de voces, simulando de cierta forma un espejo. Lo interesante es la misma interacción que se puede notar entre los cuerpos, uno observando al otro pasado y el ultimo observando a todos. Pueden notarse gestos, facciones, cambios. Lo que se crea aquí es una especie de túnel de tiempo, un tiempo en repetición de acción y espacio pero donde se nota una intensa diferencia.https://youtu.be/fAxHlLK3Oyk

https://youtu.be/_Y5lt9c2ErQ https://youtu.be/JFVQ2l8qhKI